RECOMIENDO:

Esta es una doble recomendación, ya que además hacía tiempo que no recomendaba una pequeña joya algo desconocida, ambas películas de las que hablaré brevemente en esta entrada, tienen cosas en común, esa delicadeza que impregna a todas las obras de animación japonesa, que consiguen extraer todo un abanico de sentimientos a través de sus secuencias. 

La primera obra de la que quería hablar es una película enraizada en los Estudios Ghibli, de los que poco hay que decir que no se haya dicho ya. La casa de Miyazaki nos trae El verano de Marnie, una historia que parecen dos, la de una niña que no encuentra su lugar en el mundo, que odia todo lo que le rodea, porque se odia así misma. Sin embargo, encuentra consuelo en Marnie, en uno de esos veranos que a quien más y a quien menos nos han cambiado alguna vez la vida.

La historia conjuga a la perfección un retrato de una adolescente a la deriva, con el añadido de la intriga y la fascinación que nos produce el personaje de Marnie, una niña rubia, etérea y fantasmagórica sacada de un cuadro de los años 30. 

La banda sonora, y en especial el tema final Fine on the outside de Priscilla Ahn, nos transporta tan a la perfección a ese pueblo pesquero, y a esa alma tan resentida de Anna, que nos mete de lleno en una historia que ante todo es pura belleza.

La segunda obra es El cuento de la princesa Kaguya, una obra quizá más conocida que se estrenó en 2013 y que obtuvo grandes críticas. Como pasaba con When Marnie was there, la música vuelve a ser un vehículo conductor apasionante, que nos transporta a ese mundo rural en la primera parte de la película para posteriormente viajar a un palacio impostado, en el que Hoja de bambú está recluida para ser la princesa Kaguya.

Una historia llena de imaginación, basada en un cuento clásico japonés, la cual nos deja ese poso amargo del eterno que hubiera pasado si... y es que, la historia de Isaho Takahata, son varias películas en una. Una filmación con un trazo de carboncillo maravilloso, con un realizador creador de obras como La tumba de las luciernagas. 

En mi opinión la obra de animación baja un poco a medio recorrido, pero el comienzo y el final son tan impresionantes, que no podemos reprochar nada al realizador japonés.

Si este fin de semana tienen cuatro horas de su tiempo, no van a arrepentirse de juntar estas dos obras maestras provenientes del lejano oriente, y es que en animación, nadie sabe más que ellos.  

ESTA SEMANA RECOMIENDO:

Coincidiendo con la semana de los Oscar no quería pasar sin recomendar una película ganadora del galardón, en este caso mejor película de habla no inglesa del pasado año.

Año tras año se demuestra que la categoría de mejor película de habla no inglesa suele tener igual o mayor calidad que la de mejor película en general, y es que por ejemplo sin ir más lejos se me viene a la cabeza el año 2010, con películas irrepetibles como La cinta blanca, Un profeta o El secreto de sus ojos.

Muchas veces nos preguntamos como podemos construir un mundo mejor, todo cambio ha de nacer del interior de cada uno, construir algo bueno en nosotros mismos y después transportarlo a los demás. Las generaciones que van sucediéndose heredan todo, el amor que no reciben, la violencia que sufren, el hambre en sus bocas y en general todo aquello que viven. Es por eso que muchas veces es difícil cambiar el mundo si nosotros no sufrimos una transformación que se refleje en todo aquél ser vivo que nos rodea.

En la película Susane Bier cuenta dos historias en dos lugares completamente distintos que que al final no lo son tanto. El personaje de Antón me recuerda en muchos momentos al Aticus de Matar a un ruiseñor, una persona íntegra, que intenta transmitir unos valores especiales a la gente, sin embargo, tiene que vivir con la culpa de la infidelidad que le atormenta y que lo ha alejado de su mujer.

Haevnen (En un mundo mejor) aborda la violencia en las aulas, el conflicto de la guerra en África o la pérdida de un ser querido, pero creo que lo que nos intenta decir es que sin educación no podemos construir ese mundo que anhelamos, sino enseñamos a nuestros hijos o a nuestro pueblo a amar, nunca llegaremos a un mundo mejor. 

Una película altamente recomendable a muy pocos días de los Oscar. Espero que la disfruten.

ESTA SEMANA RECOMIENDO:

Hay dos películas en mi opinión que merecen estar en lo más alto del género de samurais o artes marciales, una es la inolvidable Tigre y dragón de Ang Lee y la otra es esta maravillosa obra de Zhang Yimou. Ambas entrecruzan sus caminos con un elenco de actores muy parecido en el que destaca la presencia de la preciosa Ziyi Zhang, una historia de traiciones y amor poético, una fotografía tan maravillosa con la que todavía hoy me quedo perplejo y una banda sonora hipnótica que entrelaza todo el conjunto a través de unas coreografías minuciosamente elaboradas.

Es injusto que Zhao Xiaoding, director de fotografía, no se alzase con el Oscar, a pesar de recibir una nominación que en mi opinión se quedó muy corta.

Vi esta película en su estreno en un momento muy especial, todavía recuerdo nítidamente los acordes de la canción beauty song interpretada por Zhang Ziyi con la pantalla en negro mientras desfilaban los títulos de crédito en los cines Manhattan. Tampoco se me olvida la batalla final con la nieve cayendo sobre los protagonistas o la lucha entre los juncos. Todas ellas son completísimos ejercicios de danza, increíblemente ejecutados, en el que cada paso, cada estoque, supone una visión poética de la película del gran Yimou.

Por último les dejo un excepcional montaje para que los que no hayan visto este The House of flying daggers se hagan una ídea de lo que les espera si la ven. Una historia de amor preciosa con el telón de fondo de una lucha entre el gobierno y el clan de la casa de las dagas voladoras.

ESTA SEMANA RECOMIENDO:

El cine de Costa Gavras va en consonancia con la realidad social en el mundo, atacando aquellas situaciones que considera injusta o que merecen ser reflejadas a través de una cámara. Su cine de protesta ha transcendido al mundo del séptimo arte con títulos imprescindibles como Z o quizá su obra maestra The Missing (El desaparecido). En esta ocasión quería recomendar otro título de su filmografía no tan conocido pero de una factura impresionante en el que conjuga de forma espectacular una obra de ficción a través de su clásico vehículo de protesta.  

Arcadia o como debería haberse títulado en España, La corporación (título original: le couperet), trata un tema de tremenda actualidad con la situación laboral como eje central y de como un hombre puede llegar a perder los estrivos tras tres años en el paro.

Tuve la gran fortuna de ver esta película en su estreno allá por 2005 en los cines Casablanca después de que viera su obra inmortal The missing, en una retrospectiva de su cine a través de un ciclo de la Seminci hace ya más de diez años. 

Constantin Gavras es un director imprescindible para todo amante del séptimo arte, en esta ocasión he querido recomendar una película más moderna y con un tema de rabiante actualidad, sin embargo, la mayoría de obras de su filmografía deben ser vistas al menos una vez en la vida, porque quien no haya visto un estadio de fútbol repleto de presos políticos en la maravillosa The missing bajo el régimen de Pinochet, se ha perdido un pequeño trozo de este maravilloso invento llamado cine. 

ESTA SEMANA RECOMIENDO:

Todos los años el curso de cinematografía de la universidad de Valladolid me ofrece un material impagable en forma de películas que tendría muy dificil de ver o conseguir, este año una de ellas ha sido Les diaboliques (Las diabólicas). 

Este filme francés de 1955 cuenta ya con una ventaja añadida, la década en la que se hizo. Los años cincuenta vienen acompañados de forma inequívoca de buen cine, de la época dorada de Hollywood, de Alfred Hitchcock, de John Ford o Billy Wilder  y de actores y actrices como Audrey Hepburn, Cary Grant o James Stewart entre otros. Les diaboliques utiliza todos esos posos acumulados y los transmite con el sello inequívoco del cine francés y la magia del creador de Le salaire du peur (El salario del miedo) Clouzot. 

La película cuenta con un montón de ingredientes genialmente mezclados: desde thriller a terror, pasando por la comedia o la tragicomedia se encuentran en una película que te mantiene pegado a la pantalla y que tras ver una hora de la misma solo quieres ver más y más y que el desenlace al que se llegué esté a la altura, y vaya si lo está. Clouzot era un gran admirador de Alfred Hitchcock y se demuestra claramente en esta obra.

La película cuenta con una recomendación final que yo transmito en este blog: "por favor no sean ustedes diabólicos y no cuenten nada de lo que han visto y oído en esta película....gracias".

ESTA SEMANA RECOMIENDO:

Hacía mucho que no recomendaba una nueva película y en esta ocasión quería hacerlo de dos personajes de Hollywood tan peculiares como sus propias películas, los geniales hermanos Cohen.

El gran Lebowski para los que no la hayan visto se puede asimilar a títulos como Snatch, cerdos y diamantes o a Quemar después de leer de los propios Cohen. Con un reparto tan estelar como la propia película (Jeff Bridges, John Goodman, Steve Buscemi, John Turturro, etc) nos cuenta la rocambolesca historia de "El nota" y la sucesión de enredos que se producen a raíz de que es confundido con otra persona de la ciudad de Los Ángeles. 

Una comedia hilarante que producirá más de una carcajada ya sea por lo patético del personaje de "El nota" (Jeff Bridges), por su tarado amigo Walker (John Goodman) o por su simplón compañero de bolos Rooney (Steve Buscemi). Pero The big Lebowski es algo más que eso, una genial banda sonora (ya en descarga, jeje) acompaña a los personajes por todo el filme, con toques mayoritariamente countries de artistas como Bob Dylan, Elvis Presley o Duke Ellington. Los secundarios son tan buenos que hasta el mismo narrador de la historia tiene caché y por nombrar a otro de ellos, el personaje ejecutado por John Turturro (Jesús) es magistral, a pesar de sus tan solo cinco minutos en pantalla. 

Una obra imprescindible de los Cohen, que por ejemplo el pasado año realizaron el remake de Valor de ley con Jeff Bridges también de protagonista. Directores y guionistas excepcionales a los que esperamos con su nueva película, al parecer Hail Caesar.

ESTA SEMANA RECOMIENDO:

En la mayoría de los casos actores de gran prestigio que inician la aventura de dirigir películas suelen salir bien parados y es que solo hay que mirar a George Clooney ("Buenas noches y buena suerte") o Robert De Niro ("El buen pastor") para darse cuenta de que esto sucede bastantes veces. Sean Penn no es una excepción y si con "El juramento" ya consiguió una película de una notable calidad, con este "Into the wild" simplemente nos deja perplejos. Y es que "Hacia rutas salvajes" tiene multitud de componentes que la hacen especial, una es la fantástica banda sonora que desgraciadamente no consiguió el oscar, a cargo de Eddie Vedder antiguo líder del mítico grupo Pearl Jam que repasa increíblemente los estados de ánimos y parajes que pueblan todo el filme con un country con aire de vientos cálidos y unas letras que ensanblan la película como el mejor pegamento.

Si algo hace emocionante como pocas esta película sin duda es la historia basada en hechos reales de un chico que de la noche a la mañana decide dejar todo atrás para encontrarse a si mismo con poco más que ropa y unos pocos dolares en el bolsillo. Es una historia con la que todos nos sentimos reflejados poco o mucho, y es que el camino de "Alexander Supertramp" es un camino de superación, de ese rollo espiritual que a todos nos gustaría sentir en algun momento. Su interpretación es magnífica, con una caracterización que ayuda y mucho al llegar los momentos de máximas penurias.

"Into the wild" puede no ser una obra maestra pero llega directamente al corazón como pocas lo hacen y es que si el señor Sean Penn algo sabe, es de cine y sino veanla y juzguen ustedes mismos.

ESTA SEMANA RECOMIENDO:

Después de un largo parón debido a exámenes y un periodo vacacional sin películas de calidad a la vista vuelvo a escribir para recomendaros una película más o menos reciente (2008), protagonizada por Colin Farrell y Brendan Glesson.

Tuve la ocasión de volver a ver esta película hace poco ya que la tenía en gran estima y en un segundo visionado la he vuelto a disfrutar de la misma forma que lo hice en una sala angosta de los cines Broadway hace ya dos años. El trailer de la película era totalmente descafeinado ya que un filme complejo en su fondo y en su forma como este era complicado resumirlo en dos minutos y recurrieron a gracias fáciles que sin ver el contexto de la película pierden totalmente su sentido. Y es que definir este "Escondidos en Brujas" se me hace realmente dificil, lo más parecido sería una comedia negra, sin embargo tiene tintes dramáticos, cómicos y hasta de película de amor en un espacio sin igual, Brujas. En esta última afirmación no estaría muy de acuerdo el personaje principal interpretado por Colin Farrell que mas bien opina que Brujas es el purgatorio eterno, una carcel "per eternum".

Si tuviera que quedarme con algo de la película me quedaría con la magistral escena surrealista con una música irlandesa de fondo mientras el personaje interpretado por Glesson se encuentra en la torre más alta de Brujas, una mezcla de emoción y melancolía se unen en un magnífico plano con un magnífico personaje.

El humor de la película no es del todo convencional, sin embargo si saben apreciarlo no les decepcionará pues con las interpretaciones tan maravillosas de los personajes nos hacen creíbles situaciones surrealistas que en otra película no encajarían. Una rareza británica, que no les dejará indiferentes.

ESTA SEMANA RECOMIENDO:

"Historias del Kronen" es la película de una generación, aquella nacida en los albores de la democracia española, aquella que sin motivos aparentes por los que luchar luchaba por todo. Corren principios de los años 90 y el boom de las drogas duras está en su auge en España, cocaina, tripis y todo tipo de drogas de diseño corren a sus anchas por las calles de Madrid, un grupo de amigos se reunen en un bar llamado Kronen, donde escuchan la música más irreverente del momento, discuten sobre sexo y toman drogas de todo tipo. Corren tiempos de rock duro y máquina en los discobares, grupos como reincidentes salen a escena y la ruta del bacalao se instaura como el vehículo del desenfreno.

Montxo Armendáriz dirige este clásico de los 90 del cine español, en la época en que el cine español volvía a emerger de su letargo, sin embargo, esta efervescencia con "La Belle epoque" como máximo exponente fue fugaz. Con esta película descubrimos a actores que marcaron el futuro del cine español, tales como Juan Diego Botto (excelente) un ya maduro Jordi Mollá (fantástico) y un pequeño papel para el eterno joven Eduardo Noriega.

La película que marcó una generación y que perfectamente podría aplicarse a estos tiempos con diversos matices, unos colegas que llevan el carpe-diem a la énesima potencia saltándose todos los límites impuestos acabando en una espiral autodestructiva que englobará a todos los que les rodean.

Una película que sin ser una obra maestra bien merece un recuerdo.

ESTA SEMANA RECOMIENDO:

Siguiendo con el repaso de películas altamente recomendables que se escapan en muchas ocasiones de lo más convencional, esta semana os transporto al Japón de la segunda guerra mundial visto desde una perspectiva muy distinta a lo que estamos acostumbrados a ver, desde los ojos de Isao Takahata, creador de Marco o Heidi.

La tumba de las luciérnagas es ante todo una historia tierna, que llega al corazón, de dos hermanos intentando sobrevivir en un mundo en caos, la guerra, el hambre, la soledad son problemas a los que Seita y la pequeña Setsuko tendrán que enfrentarse día tras día, teniéndose el uno al otro en un mundo que se derrumba a su paso. 

Esta película es la mayor muestra de que el cine de animación puede contar una historia seria y estremecernos con cada escena, intentando meternos en el Japón del cuarenta y cinco para ayudar a dos hermanos a los que la vida no les ha dado esa dosis de suerte que muchas veces se necesita. Con un comienzo brillante, la película nos va desgranando una historia tan real y dura, como tierna y maravillosa. Plagada de metáforas preciosas y de dos protagonistas de los que desde el primer minuto los sentimos tan cercanos Impresionante la manera que tiene Setsuko (hermana pequeña), de llegarnos al corazón, con cada frase y gesto llena la totalidad de la pantalla. 

Todo un clásico del anime japonés que en cuanto la vean se convertirá también en un clásico global de esta maravilla llamada cine. Estén atentos a la banda sonora, sin desperdicio.

"Hermanito, ¿Por qué las luciernagas viven tan poco tiempo?"

ESTA SEMANA RECOMIENDO:

Coincidiendo con el fin de la Seminci un año más en Valladolid, quería recomendar una película que hubiese obtenido la Espiga de Oro años atrás. 

Hierro 3 (Bin-jip) se llevó el máximo galardón en Valladolid en el año 2004 pero yo no la vi hasta que en Caja España proyectaron uno de esos ciclos que te hacen descubrir nuevas películas. En dicho ciclo descubrí a un director innovador de la escuela asiática, Kim Ki-Duk, maestro en el tratamiento de historias desgarradas, de personajes tremendamente introvertidos que se pasean por el mundo como meros fantasmas. Quizá la que más me gusta de este director coreano sea la genial "primavera, verano, otoño, invierno...Primavera", sin embargo, y como ya dije, coincidiendo con la Seminci no quería pasar sin recomendar este "Hierro 3".

La historia narra la vida de Tae-suk, un indigente muy particular, que tras poner en las puertas de las casas cuñas publicitarias a primera hora detecta al final del día aquellas personas que no se encuentran en sus hogares, ocupandolas sin robar nada. Su vida da un giro cuando conoce a una exmodelo cuyo marido la mantiene recluida en su casa, ambos se conocen cuando Tae-suk entra en la casa de ésta creyendo que no hay nadie.

La película pese a su escaso diálogo, cuenta una historia de amor preciosa, incondicional y en ocasiones llevada hasta la máxima potencia. La incomunicación de dos personas arrojadas al mundo sin ningún tipo de suerte no es impedimento para que en silencio se amen y compartan una rutina casi enfermiza. 

Kim Ki-Duk vuelve a sorprendernos, quizá no tanto como en su extraña "La isla", con esta creación que dirige y escribe, con unos silencios embriagadores y con unos personajes con la falta de comunicación impresa en sus venas. 

Si la ven comprenderán perfectamente el sentido del título hierro 3, con una escena durísima con tres cuartos de metraje. El final se postula magnífico, propio de un Kim Ki-Duk que pese a que la gente se decanta por finales cerrados, él siempre mantiene una puerta abierta para que el espectador juegue a imaginarse como será la vida de los personajes después de la película.

Sino pueden ver este "Hierro 3" prueben con cualquiera de este realizador coreano y ya les digo yo que no les dejará indiferente.

ESTA SEMANA RECOMIENDO:

No quería saltarme el espacio dedicado a las recomendaciones sin antes colgar en él una película española que me sorprendió gratamente, "El habitante incierto". 

Vi está película zapeando por canales de cable no hace mucho tiempo y al verla me sorprendió tanto que decidí incluirla en un ciclo de cine español moderno. El largometraje narra la visita inesperada de un extraño al piso de Felix, joven arquitecto adinerado que acaba de romper la relación con su novia. El personaje enigmático pide a Felix realizar una llamada telefónica urgente, Felix accede a dejarle entrar, sin embargo, en un momento de descuido el hombre parece desaparecer dentro de la casa sin dejar rastro. A partir de ahí Felix empieza a notar que alguien le observa en su propia casa.

El argumento bien podría haber sido firmado por Alfred Hitchcock, con un comienzo espléndido la película va desarrollando la historia con brillantez. A mitad de película da un giro sorprendente y se ubica en otro genero o quizá en otro ritmo, para concluir con un final sorprendente y acertado. 

Si bien la obertura te atrapa con una fuerza magnética, existen dos partes bien diferenciadas en el film. En mi opinión la primera supera a la segunda, no solo por su ritmo sino por su verosimilud frente a la segunda. Sin embargo la segunda parte cobra interés por su originalidad y los deseos de conocer a donde nos llevará el director en el tramo final. 

Los actores no son excesivamente conocidos, Andoni Garcia es digno sin más, recordándome en ocasiones a una versión empeorada de Eduardo Noriega, pese a ello consigue realizar su propósito no empañando el resultado final de la película.

Si quieren ver algo original made in spain, que te mantenga con los ojos como platos en el salón de tu casa esta es una gran opción, sino pues ponganse "Tesis" o "Abre los ojos" que seguro que aciertan también.

Dedicada a Samu, mi más ferviente seguidor en esta aventura llamada blog.

ESTA SEMANA RECOMIENDO:

Vacaciones en Roma es de esas películas que nada más verlas te hacen amar a la ciudad conductora de la historia, la ciudad eterna, Roma.

Vi esta película impulsado por mi actriz antigua favorita, Audrey Hepburn, esa mujer en cuerpo de niña que siendo una adolescente tuvo que lidiar con la ocupación nazi en su Holanda materna trabajando para la resistencia. Esta actividad la llevó a una anemia y problemas respiratorios a parte de otras muchas cosas que posiblemente trataré en una biografía personalizada.

La historia es un auténtico cuento de hadas en la que un famoso periodista americano en busca de una exclusiva (Gregory Peck) se topa por casualidad con una princesa moderna (Audrey Hepburn) que desea saltarse sus obligaciones reales y vivir como una persona de a pie. El cínico periodista accede a acompañarla en su periplo romano fingiendo no saber su verdadera identidad, pero todo se complica cuando se enamora irremediablemente de su noticia.

La película ganó tres oscar, entre ellos mejor actriz para una Audrey Hepburn que saltó a la fama como un sputnik con esta comedia romántica. No hay que olvidarnos del director, uno de los mayores genios de toda la historia del cine, William Wylder (Ben Hur, horizontes de grandeza...) ni del genial Gregory Peck (Matar a un ruiseñor, duelo al sol...). Por último nombrar también al guionista Dalton Trumbo que al estar en la lista de la comisión de actividades antiamericanas del senador McCarthy tuvo que aparecer con un nombre distinto, ganando el oscar al mejor argumento (antigua categoría), casualidades de la vida

Hay escenas tan memorables como la de aquella fiesta en un barco en el Tiber, la mano de Audrey en la boca del León de la verdad (escena que decidió introducir Wyler al ver la broma que le hizo Peck a la joven Audrey) o los paseos en Vespa por una Roma magnífica, tercera protagonista de la película.

Vacaciones en Roma es por tanto la mezcla de varias cosas, todas ellas magníficas. Un reparto excepcional con el debút de Audrey Hepburn en el cine ganando nada más y nada menos que un oscar, un Gregory Peck cínico pero a la vez sentimental, un director imperecedero, una historia de cuento de hadas con un guión espléndido. Y alrededor de todo ello, una ciudad maravillosa y eterna, Roma.

Si quieren saborear las mieles del mejor cine Hollywoodiense enclavado en la década de los cincuenta, vacaciones en Roma es su mejor opción para comenzar. Una delicia de película que tiene ese aroma a clásico que ya no vemos por las salas de cine actuales.

ESTA SEMANA RECOMIENDO:

Vi esta película hace muchos años, exactamente nueve ya, en la sala tres de los cines Manhattan que para los que la conocéis no se caracteriza por su excesiva comodidad. Fui a verla puesto que había sido premiada en Cannes y en casi todos los premios Europeos de renombre (César mejor película extranjera), así como por sus fantásticas críticas y en este caso no me defraudó en absoluto. 

Con no más compañía que una botella de agua y apenas cuatro personas en todo el cine descubrí por primera vez a ese genio llamado Wong Kar-Wai en una sala de cine angosta pero que respiraba arte con cada fotograma del filme. En esta sala también descubrí al Bogart asiático, Tony Leung ("deseo peligro", "2046"), actor fetiche del realizador coreano. Tan solo fueron 95 min pero comprendí que había descubierto a uno de los mejores directores del momento.

La película narra la historia de una pareja que se muda a un inmueble habitado principalmente por la comunidad de Shanghai, allí conocen a otra pareja de recien casados que acaban de instalarse. Pronto surge la amistad entre el personaje interpretado por Tony Leung (Chau) y la mujer de su vecino (Li Zhen), amistad que se sustenta en que las parejas de ambos se encuentran casi todo el tiempo fuera. La relación se transforma cuando ambos descubren que sus parejas mantienen una relación sentimental en secreto. 

Un historia de amor contenida, triste y a la vez tan poética como imposible,  unos silencios mágicos donde la música fluye incrustándose en las imágenes como solo Kar Wai puede hacerlo, el arte convertido en arte, donde cada bocanada de humo que escapa de un cigarrillo casi apurado, nos hace flotar en la pantalla, donde un beso no es solo un beso, es el mundo deteniéndose y luego girando muy rápido, porque la lluvia no son gotas de agua, son la imposibilidad de los protagonistas de expresar sus sentimientos reflejados en el cielo más negro. Todo ello es Wong Kar-Wai, y nunca mejor expresado que en su "In the mood for love".

Cuando terminé de ver la película solo quería ver más de este genio coreano, me visioné todas, ninguna llegó a llenarme tanto como ésta, aún así, aquél día en aquella sala con aquellas cuatro personas, descubrí algo más que una película, descubrí la forma de hacer cine.

ESTA SEMANA RECOMIENDO:

La primera película que quería recomendar es una de mis favoritas de todos los tiempos, "Doctor Zhivago". La película narra la historia moderna de Rusia desde la caida de los zares a la implantación definitiva del comunismo a través de los ojos de Yuri, un doctor liberal que al principio abrazará las ideas utópicas de Lenin para mas tarde vislumbrar de forma práctica la crueldad de un sistema en el que no encuentra lugar. Esta película de 1965 me hizo descubrir un personaje inolvidable, el interpretado por Omar Sharif, una persona bondadosa, generosa, siempre en busca de un amor imposible, el de Lara (Julie Christie), luchando contra su conciencia, ya que es un hombre casado. Una majestuosa superproducción de las que ya apenas se ven en las salas de cine, con un metraje cercano a las tres horas que al final se hacen verdaderamente cortas. 

Hay escenas que no se olvidan como aquella en la cabaña con la música del tema "A Lara" que le valió un oscar como mejor banda sonora original, en la que Yuri y Lara pueden expresar su amor y se transportan a una primavera idílica lejos del durísimo invierno de Siberia, un vagón de tren repleto de gente que intenta buscar una vida mejor o la escena del tranvía casi al final de la película...

El tema "a Lara" me encantó desde que oí los primeros acordes de la Balalaica cuando a penas tendría doce años, una canción que ya me era conocida debido a que aún conservó una caja de música con dicha pieza que me sigue transportando a las poesías de Yuri Andreyevich. 

Una pieza maestra que no pasa de moda con los años, un clásico absoluto y la obra cumbre de David Lean.