CRÍTICA DE:

Y cierro mi serie de críticas de la 59 edición de la Seminci con la ganadora de este año, Mita Tova, de los realizadores Sharon Maymon y Tal Granit. 

La tragicomedia israelita se ha alzado con el máximo galardón del festival vallisoletano, con una fórmula arriesgada, la película intercala momentos muy duros, propios de la temática que aborda (la eutanasia en la vejez), con otros sumamente divertidos, algo que el espectador agradece y mucho, quedando un sabor agridulce satisfactorio. 

Las interpretaciones son excelentes, a modo coral todos los actores que desfilan por la pantalla sacan partido de una producción que en ningún momento decae y que sabe meter esa vis cómica necesaria para no convertirse en un dramón difícil de tragar. Incluso los directores se atreven a meter una pieza musical a mitad de película.

Una película de calidad, que se deja ver con soltura y que su parte cómica hace que sobresalga por encima de la media. Quizá a mi me gustó más Kreuzweg (segundo premio) o Gui Lai, pero es indudable que The farewell party tenía también mimbres para haberse llevado el gato al agua. Y es que, al jurado de la Seminci siempre le gustó la tragicomedia. 

NOTA: 7 

CRÍTICA DE:

Hay veces que en la Seminci se le presenta a uno la oportunidad de disfrutar de uno de sus directores favoritos, hace varios años tuve la ocasión de hacerlo con Wong Kar Wai con su 2046, este año he podido hacerlo con un genio de las pequeñas historias, Zhang Yimou.

Gui lai, Coming home, El regreso a casa, sea como fuere Zhang Yimou. El director chino vuelve a traernos una historia que conmueve, emociona, llega. Porque muchas veces el cine no es solo un elemento artístico enrevesado, en el cual tenemos que contar historias originales e impactantes, a veces es solo un vehículo para transmitir sentimientos, y en eso el señor Yimou es un experto. Contando historias cotidianas, es capaz de postrar al respetable con una sonrisa, un llanto o simplemente una mirada perpleja durante los minutos que aparecen en pantalla los personajes. Y si hablamos de personajes, no podemos sino centrarnos en los femeninos que pueblan su filmografía, muy pocos directores en el mundo pueden sacar tanto partido de las actrices, dándolas unos matices que las llevan a competir en festivales por todo el mundo. Y si nos centramos en actrices, nadie como Gong Li representa mejor la esencia de las obras del director de Xian. 

Con una crítica subyacente sobre las injusticias que causó la revolución china, tema siempre presente en su obra, Gui Lai nos trae una historia de amor marcada por un hecho fatídico que desencadena la enfermedad del personaje interpretado por Gong Li, una amnesia que provocará que no reconozca a su propio marido Lu Yanshi, excarcelado tiempo después. Mención especial merece la escena que desencadena la enfermedad de la esposa, en una estación de tren abarrotada de gente. 

Cabe destacar el nuevo trabajo excepcional de su maestro director de fotografía que le ha acompañado en multitud de títulos, Zhao Xiaoding, con la nieve y la lluvia como elementos básicos de la poesía que dota Yimou a sus películas. Tampoco puedo olvidarme de la maravillosa banda sonora, vehículo imprescindible en coming home, creada por Chen Qijang. Los acordes de piano y las sutiles melodías de violín y chelo nos conquistan como un prestidigitador, llevándonos a la China postrevolucionaria. 

Puede que no sea la mejor obra del realizador chino, sin embargo está a la altura de su magnífica obra, el creador de Amor bajo el espino blanco, el camino a casa, ¡Vivir!, la casa de las dagas voladoras o Hero, está de vuelta y sinceramente, yo si fuera ustedes en cuanto aparezca en el cartel de su ciudad, correría a reverenciar su obra. 

NOTA: 8

CRÍTICA DE:

El realizador alemán Dietrich Brüggemann, nos trae una obra rodada en catorce planos secuencias acerca de la vida de María, interpretada de manera magistral (favorita para la espiga) por Lea van Acken. La obra realiza un paralelismo entre las últimas horas de la vida de Jesús con los últimos días de la vida de María, repartidos en catorce momentos, que fueron también las catorce estaciones que recorrió Jesús camino del Gólgota.

Kreuzweg nos transporta de forma fantástica hacia la vida de una familia alemana ultracatólica vista desde los ojos de una niña de catorce años a punto de realizar su confirmación. La cámara fija en los catorce planos secuencia (exceptuando el último) nos ofrece una visión sin florituras, tal y como María vive su vida, sin un ápice de emoción o sentimiento terrenal, una cárcel sentimental en vida a la que somete principalmente su madre interpretada rotundamente por Franziska Weisz.

La película nos solo es un acierto a nivel técnico y formal, también sabe transmitir ese infierno en el que vive la adolescente María, una grata sorpresa para un festival que lleva varios años en capa caída debido a los continuos recortes en cultura que estamos viviendo en los últimos tiempos. 

John Lennon decía en su canción, Imagine, "and no religion too" y en esta película no podía llevarse esa frase más a rajatabla. Los extremismos son siempre malos, se disfracen de Alá, Yahvé o Jesús de Nazaret. 

NOTA: 7,5

CRÍTICA DE:

Después de saltar al estrellato con su obra District 9, y estar nominada al Oscar a la mejor película, Neill Blomkamp, se ha decidido a repetir la fórmula que le dio tan buenos réditos, esta vez más convencional, sin estar rodada en formato de falso documental, pero con la carga ideológica y de ciencia ficción que contenía su predecesora. 

Elysium trae aparejado varios de los aciertos con que contaba la obra rodada en Johanesburgo pero también varios de sus defectos. Y es que la película comienza bien, nos trae una historia de desigualdades en formato ciencia ficción, donde los pobres viven oprimidos para que los ricos puedan mantener su estilo de vida. Sin embargo, como ya le ocurrió en Distrito 9, la parte final de la película baja de manera radical, llegando a convertir la película en un espectáculo vulgar y deslucido, ya que si bien en su anterior obra, Blomkamp conseguía salvar el filme y no lo convertía en una montaña rusa, en la superproducción con Damon a la cabeza se nota demasiado el vértigo en una parte final irreal y en ocasiones algo absurda. 

Aún así en verano hay que buscar las noticias positivas, ya que la mayor parte de los títulos que llegan carecen de una gran calidad, por lo tanto si van a ver Elysium, quédense con los tres cuartos del filme que interpreta Foster y Damon, de una factura más que aceptable y olviden una parte final cargada de momentos fuera de lugar y de acción de segunda fila. 

Seguiremos desde reflexiones mirando con buenos ojos a todo tipo de creadores que escriben y dirigen sus películas, con lo cual Blomkamp no será una excepción. 

NOTA: 5,7 

CRÍTICA DE:

Un largo parón en el camino, una manera de coger distancia y verlo todo desde lejos. Hay veces que surgen comentarios alrededor de tu entorno que te impulsan a seguir escribiendo, del tipo de: 

- Ey, hace tiempo que no escribes nada, a ver si comentas esta película, o la otra.... -

Y te preguntas bueno, al menos de vez en cuando a alguien le importa lo que ponga aquí y no solo a mí. Y sigues adelante...

... Guerra Mundial Z es el primer blockbuster que quería comentar, pues ahora en verano la industria de Hollywood tira de títulos espectaculares cargados de presupuesto para mitigar el descenso de espectadores en las salas comerciales. Un anzuelo que en el caso de la película de Brad Pitt ha funcionado a la perfección pues en la primera semana de su debut se había convertido en la película de zombies más taquillera de la historia y ya es el estreno que más ha recaudado en el verano. Y es que series como The Walking Dead han contribuido a la expansión de una cultura zombie que cuenta con miles de adeptos en todo el mundo. 

La película cuenta con un guión con varias fisuras, pero a pesar de ello, te mantiene pegado a la pantalla, con unas escenas de acción endiabladas y con un Brad Pitt que parece el gafe de la película, allí donde va todo se va al garete. La clave de estas películas está en no analizarlas minuciosamente, verlas tal y como son, un vehículo de entretenimiento, un granizado que nos refrescará por al menos un rato, pero que al final es todo hielo. Si la película consigue entretenernos ha cumplido su objetivo, si por el contrario naufraga haciéndose pesada, entonces no vale la pena gastar nuestro dinero. 

World War Z está dirigida por el creador de Descubriendo Nunca Jamás o Monster's Ball, Marc Foster, y ha sabido manejar un guión no demasiado estable y convertirlo en una superproducción aceptable. Todo ello con la ayuda de Mr Pitt, productor de la película, que como veremos en una próxima entrada tuvo mucho que ver en el resultado final de la obra. 

Si tienen que decidir entre varios títulos de acción como Lobezno, Superman o Pacific Rim, Guerra mundial Z puede ser su mejor elección. 

NOTA: 6

CRÍTICA DE:

En primer lugar quiero pedir disculpas por un spoiler que di al colgar el trailer de esta película, sin embargo, yo extraje la sinopsis de una página de cine especializada y desconocía que hubiera algún tipo de spoiler en un resumen de cinco líneas, yo también he sido engañado. Si a eso le añadimos que el trailer también te destripa gran parte de la película si no lo habéis visto no lo hagáis, con esta película es mejor ir a ciegas visto lo visto.

La película se centra en una Tierra devastada tras una batalla contra una civilización alienígena, la guerra se ganó, pero el planeta quedó devastado y ahora equipos de limpiadores se encargan de ocuparse de que el planeta vuelva a estar en funcionamiento, uno de ellos es Jack Harper. Sin embargo Jack cada noche tiene recuerdos de su vida antes de la hibernación...

El film está realizado por el director de Tron Legacy, Joseph Kosinsky, en el que se ve su impronta en temas como la banda sonora, acertada en muchos momentos, principalmente con una pieza muy ochentera en la parte casi final de la obra. También podemos ver la mano de Kosinsky en las escenas de acción y en la estética del film. El guión esta firmado por cuatro personas en los que también se encuentra el director de Tron por lo que es mejorable. A pesar de ello Oblivion entretiene y mantiene al espectador pendiente de los devenires de Jack Harper, amo y señor de la película como no podía ser de otra forma en una superproducción en la que aparece Tom Cruise. 

Se pueden poner algunos peros en lo que a guión se refiere, algunos fallos que suelen estar presentes en la mayoría de las películas de ciencia ficción, principalmente por reacciones algo irreales de los personajes ante los devenires de los acontecimientos, aún así Oblivion sale a flote, quizá no con nota, pero no le cuesta llegar al aprobado. 

A Cruise le acompañan en el reparto un peso pesado como Morgan Freeman, que si bien aquí no tiene demasiado peso, su aparición está a la altura de su figura. Además se encuentran Nikolaj Coster-Waldau, el matarreyes de Juego de Tronos, Olga Kurylenko, chica Bond en Quantum of Solace o Zoe Bell. 

En esta época que nos encontramos del año con la llegada del buen tiempo, Oblivion es una obra entretenida que gustará sobre todo a los amantes de la ciencia ficción y no tanto a los que no comulgan demasiado con este género. Una obra hecha para el deleite de Tom Cruise, que pasará por caja cuando se recuente la seguramente alta recaudación. 

NOTA: 6 

CRÍTICA DE:

Los últimos días es de ese tipo de producciones que necesita el cine español, un producto atractivo que llene las salas de cine, pues creo que se debería alternar cine de autor de calidad español con grandes producciones enfocados a todo tipo de público y dejar de dar dinero a estúpidas películas en las que lo único que sale son los actores jóvenes y habitualmente malos de turno, acompañados por un guión estúpido y vacío de contenido.

La película de Alex y David Pastor cuenta la búsqueda de Marc (Quim Gutierrez) por encontrar a su novia desaparecida, Julia (Marta Etrura), con la ayuda de Enrique (José Coronado), todo ello en una Barcelona devastada por un virus que impide a los habitantes salir al exterior, produciendo una muerte fulminante a quien lo hace. 

La película enclavada en el género catastrofista comienza con una apuesta más o menos decente que se mantiene a duras penas durante el filme, debido principalmente a un guión muy flojo, con errores continuos, alternando escenas de relativa calidad con otras que parecen totalmente gratuitas (la escena del centro comercial o los minutos finales por ejemplo). Sin embargo el filme de los hermanos Pastor consigue entretener, debido a los continuos análisis que produce este tipo de películas en el espectador y la visión bastante acertada de una Barcelona totalmente decadente. 

Las interpretaciones son correctas sin más, saliendo airosos en la mayoría de los casos sin tampoco mayores alardes, pues a mi parecer el guión tampoco permite demasiado margen de maniobra para los intérpretes. 

Una producción española que si bien no pasará a la historia del género se deja ver, y más teniendo en cuenta la escasa calidad que hay hoy por hoy en la cartelera en general, con títulos muy mediocres por ser benévolos. Una apuesta que necesita el cine español que seguramente hubiera sido mejor en manos de otros autores que no los creadores de Infectados (Carriers) pero que al menos seguramente conseguirá que una sala vacía sea llenada y eso en los tiempos que corremos y según como está el cine español, es de agradecer. 

NOTA: 5,75

CRÍTICA DE:

Una bala en la cabeza está basada en el comic creado por Matz y Wilson en el que un asesino a sueldo (Sylvester Stallone) tendrá que colaborar con un policía de Nueva Orleans para encontrar a los mandamases  que le tendieron una trampa. 

La película de Walter Hill (Danko calor rojo, Invicto) comienza con algo de frescura, con un personaje como Jimmy Bobo hecho a la medida de Stallone. Sin embargo este comienzo se diluye con extrema facilidad. Nada más aparecer el personaje interpretado por Sung Kwan (Taylor Kwon) la película cae en una secuencia de líneas vacías absoluta. Un guión que tiene una riqueza nula, con una unión entre policía y asesino que chirría desde el primer momento que aparecen juntos en escena. El filme parece estar creado expresamente para Stallone y lo demás poco importaba, unas frasecillas grandilocuentes al calor de una botella de bourbon y ¡¡voilá!!, ya parece que hemos cumplido nuestra dosis de testosterona a lo encefalograma plano.

Es bastante triste que la mayoría de películas que nos ofrece Hollywood de acción solo busquen el palo por el palo y que no se preocupen en absoluto por intentar cuadrar un poco la trama y los diálogos, que hacen que al final nos de igual ver hachas que lucha de almohadas. Los personajes están totalmente desdibujados, con unos capos que dan risa, un policía sin carisma y una hija que ni siquiera enseña material. Tan solo los dos antagonistas ofrecen algo al filme (Keegan vs Bobo). 

Leyendo por ahí algunos comentarios acerca de la adaptación del comic, todos coinciden en que ha sido bastante libre, quedando mucho mejor reflejado en la novela gráfica la colaboración entre policía y asesino, no resultando totalmente irreal. Además el hecho que desencadena la venganza de Bobo, no se produce en el comic hasta la mitad del mismo, algo que hubiera seguramente dotado a la película de mayor calidad viendo como transcurren los hechos a partir de ese momento.

En fin, más de lo mismo, una película de acción con un guión pésimo, que se sostiene levemente por el personaje interpretado por Stallone que en ocasiones tiene fuerza. Deberían mirar donde ponen el dinero las productoras, porque viendo filmes como Hansel y Gretel o este Bullet to the head, queda claro que la pluma está agonizando en la acción norteamericana. Echen un vistazo a Drive y luego piensen en que ponen la pasta.

NOTA: 4

CRÍTICA DE:

La dupla Joe Wright (Orgullo y Prejuicio, Expiación) Keira Knightley vuelve a la gran pantalla con un drama de época basado en la novela del gran escritor ruso León Tostói que fue llevado a la gran pantalla en múltiples ocasiones con protagonistas como Greta Garbo (1935) o Vivien Leigh (1948). Sin embargo, el director en esta ocasión decide dar una vuelta de tuerca visualmente hablando y convertir esta nueva versión en un gran escenario, dando un carácter más teatral a la obra. Una apuesta arriesgada que en mi humilde opinión triunfa en la mayoría de ocasiones, sustentada en un reparto de lujo, con una maravillosa Keira Knightley del que el abajo firmante siempre se ha declarado fan y un espectacular Jude Law, que bien vale para un drama de época, una de ciencia ficción o una comedia romántica, todo un actorazo este Law.

La producción inglesa tiene ese aroma a buen cine coral que tanto gusta a los británicos, con interpretaciones excelentes de todo el elenco, una ambientación cuidada al dedillo, un vestuario que le ha valido un Oscar y una banda sonora maravillosa. En general un conjunto de elementos que hacen de Anna Karenina una obra delicada con glamour, un director que apuesta fuerte y que sale victorioso del envite. 

La historia nos lleva por los sentimientos de angustia de Anna para debatirse entre la fidelidad hacia su marido sustentada tanto en las costumbres de la época como en su hijo, y por otro lado el amor que siente por el oficial Vronski, un amor extremo e irracional. Ese lema antiguo que tantas y tantas veces se dice, aquí casa al dedillo, "Ni contigo ni sin ti, tienen mis males remedio". 

El señor Wright ha demostrado a lo largo de su filmografía que se desenvuelve como pez en el agua en los dramas de época, sin que resulten pomposos o aburridos, Wright sabe conjugar sentimientos tan universales como el amor con una cuidada ambientación tanto a nivel de guión, como en lo que a elementos visuales se refiere. Una buena apuesta tanto si les gustan las películas de época como si no, ya que Anna Karenina es ante todo una buena película.

NOTA: 7,3

CRÍTICA DE:

El excelente director Chino, Zhang Yimou, nos trae una nueva obra bajo el brazo, en esta ocasión una adaptación de la novela de Yan Geling (las trece mujeres de Nankin), que cuenta la historia de una serie de prostitutas que buscan cobijo en una iglesia católica de Nankin regentada por un maquillador de cadáveres (Christian Bale) que el destino ha puesto al cuidado de las alumnas de la iglesia. 

No hay que olvidar que la película trata la invasión de Nankin como ya lo hiciera la maravillosa Ciudad de vida y muerte, sin embargo, en este caso a Yimou le cuesta decidirse por el enfoque de la película, si centrarse en el lado humano de la guerra a través de las alumnas y las prostitutas con el consiguiente intuir más que mostrar o definitivamente exponer el horror de una guerra siempre atroz. Por lo tanto en mi opinión el genio Chino se queda a medio camino, teniendo que sacar partido de un personaje algo indefinido como el de Bale, llegando más los personajes femeninos interpretados por Ni Ni y Zhang Xinyi, prostituta y alumna. Un pasado que se añora destrozado por el horror de una infancia interrumpida, un madurez deseada por la sensualidad que destila su ser. Ambas unidas por el amor hacia una persona como John (C. Bale) que va cambiando a medida que sus ojos reciben el horror de la guerra. 

Las flores de la guerra tiene en sus casi dos horas y media de duración grandes momentos, sin embargo hay otros que naufragan en un guión algo flojo, costando ver en algunos momentos creíble el personaje de Christian Bale más por la profundidad a nivel del personaje que por el trabajo del propio actor, que tuvo problemas con el régimen Chino al visitar la casa del novel de la paz Liu Xiaobo que aún se encontraba recluido.

Tampoco ayuda en exceso la versión doblada de la película, pues tenemos que combinar la voz original en chino de los protagonistas con un doblaje que resulta irreal, haciendo desmerecer el trabajo final. Esto se ve compensado con una fantástica banda sonora original firmada por Qigang Chen. 

En esta ocasión Yimou no ha dado con la tecla adecuada para filmar otra obra maestra, si bien es una buena película, no pasará a la historia como uno de sus grandes títulos, y más si lo comparamos con la anteriormente citada Ciudad de vida y muerte. Si no tienen algo mejor que ver elijan Flowers of War, seguramente les dejará el poso de un buen cine del que se podía haber sacado algo más. 

NOTA: 6,5

CRÍTICA DE:

Muchos elementos de esta película son muy discutibles, desde su arriesgada apuesta (no hay que olvidar que un musical siempre es una empresa complicada), pasando por la elección de actores muy famosos para cantar canciones en riguroso directo o los planos del director. Pero todas estas premisas se pueden tirar abajo rápidamente por un servidor. En Hollywood lo que falta muchas veces es arriesgarse, estamos cansados de ver remakes que no aportan nada nuevo y si un director se atreve a llevar una obra (sin olvidar que parte de una versión teatral) a la gran pantalla en forma de musical, con todo lo que supone ello, pues me parece perfecto y en las nominaciones está la prueba. En lo que respecta a la elección de actores para cantar canciones en directo muchas veces es imposible en un musical conseguir esa perfecta dualidad entre interpretación y canto, y en mi opinión quitando Russell Crowe en algunas escenas, salen muy bien parados todos los actores. Por último los planos del director quizá si que en algunos momentos puede resultar algo cargante el uso del contrapicado, fiel reflejo de la miseria de los protagonistas, pero quien no haya disfrutado con el primer número ejecutado por Hugh Jackman que concluye con la ruptura de su condicional desperdigando los papeles al viento, es que no valora el séptimo arte.

La película me parece magnífica, con algunos números que emocionan, que hace que se te erice el bello, todo el mundo hablará cuando se recuerde esta película del número que seguramente le valga un Oscar a Anne Hathaway, con un plano secuencia espectacular, que ella según explicó tuvo que rodar con dos auriculares, pues no quería escuchar su propia voz. Pero tampoco se olvida el maravilloso número para cerrar la obra, fiel reflejo de la emotividad del filme, el desfile, el ya citado primer número de Jackman o la contraposición entre rojo y negro en forma de canción. Podría seguir enumerando números maravillosos, pero como quizá lo complicado sea citar los menos acertados, me dedicaré a decir que la última batería, me parece muy floja, con unos 20 minutos finales que desmerecen del conjunto, sin embargo esto se olvida con un cierre magistral, que llega al corazón y que alguno que otro que haya visto la película, le habrán dado ganas de empuñar las armas e irse al congreso de los diputados. De momento, mi favorita para los Oscars.

NOTA: 8

CRÍTICA DE:

La vida de Pi es una gran fábula, de la que un servidor se declara fan. Con una puesta en escena espectacular, el 3D luce increíble en esta película del genio Ang Lee (Brokeback Mountain, Tigre y Dragón, El gran banquete...), capaz de realizar películas tan distintas que es difícil en ocasiones ver un patrón común entre ellas.

Es muy posible que no se lleve ningún premio importante en la 85 edición de los premios Oscar, sin embargo, estas películas que destilan magia son absolutamente necesarias. Hay personas que desecharán la apuesta del director Coreano por su excesiva fantasía, como pasó el año pasado con la espectacular La invención de Hugo, pero si todavía conservan un gusto por lo visual, por la fábula y los sentimientos, hallarán en esta película un gran divertimento. Quizá no encuentren a Dios al final de la misma, pero lo que se encontrarán es una realización excelente con una historia que atrapa. Esperaré ansioso la siguiente obra del señor Lee.

NOTA: 7,4

CRÍTICA DE:

Después de un largo tiempo sin escribir ninguna crítica, haré un barrido lo más rápido posible para la carrera de los Oscar, con lo cual lamentándolo mucho no podré extenderme demasiado en la crítica de las películas. Comenzaré por la fantástica Argo.

Una de las triunfadoras en los Globos de Oro, donde en los últimos años se ha visto una ruptura total con los Oscar, premiando los Globos a las películas que en principio parten como outsiders en los premios que otorga la Academia de Hollywood.

La historia que ha llevado a cabo Ben Affleck parte de una historia real que ha llegado gracias a la desclasificación de documentos por parte de la Administración Obama. En ella se cuenta la liberación de americanos confinados en la embajada Canadiense en Irán. 

Después de un largo tiempo sin escribir, algo que tampoco creo haya importado a mucha gente, vuelvo para hablar sobre una película que me ha hecho palpitar como hacía tiempo, y es que el gran Zhang Yimou lo suele lograr con cada uno de sus filmes.

Después de un verano en el que han pasado películas más bien malas, si exceptuamos al fin de la trilogía de Batman a cargo de Nolan, que pese a estar por debajo de su predecesora, es un trabajo meritorio. Tampoco me olvido de decepciones como la de Prometheus, que pese a no ser una basura, desmerece mucho dentro de la filmografía del gran Ridley Scott y más si la comparamos con la gran Alien. Por último quería destacar la nueva película de Spiderman, que pese a no convencerme del todo, es superior a las realizadas por Raimi. 

Volviendo al tema que me ocupa, la última maravilla de Yimou da lo que se espera de uno de los mejores directores que hay en la actualidad. En el filme nos encontramos con el Yimou más sentido, aquel que deslumbró al mundo con Linterna roja o la expecional El camino a casa de una casi desconocida Ziyi Zhang, que enamoró a la pantalla como lo hace aquí la guapísima Zhou Dongyu que le valió la espiga de oro a la mejor actriz en la seminci del año pasado. Una historia de amor en un mundo de represión, donde cada fotograma es poesía para la vista, donde cada mirada refleja ese amor idílico que todos hemos perseguido alguna vez, incondicional, síncero. Los personajes de Jing y Sun buscan la felicidad en un mundo que les resulta esquivo, en una dictadura comunista del régimen de Mao.

Me enamoré de este director viendo La casa de las dagas voladoras, en una compañía muy especial en los cines Manhattan hace ya más de siete años. Luego vino la maldición de la flor dorada que pese a no ser tan buena como su predecesora, volvió a encandilarme con su maravillosa fotografía y sus coreografías tan poéticas. A partir de ahí quise ver más del director Chino, El camino a casa y Vivir me redescubrieron a un genio, películas no tan poéticas en lo visual, pero con unas historias que atrapaban, que latían dentro de una pantalla. Nadie podría morir sin ver una película de este gran director, ahora tienen una oportunidad de oro para degustar cine en estado puro, para ver algo más que una historia de amor, para creer que el espino blanco florece en Mayo y da flores rojas y que debajo de él, podremos ver el amor de Jing y Sun por fin libres.

"No te puedo esperar un mes ni un año, ni hasta que cumplas veinticinco, sin embargo te he esperado toda mi vida"

NOTA: 8,2

CRÍTICA DE:

Tras un largo parón en el articulado de reflexiones en 16 mm, vuelvo con una de las pocas recomendaciones que puedo hacer de la cartelera actual, Moonrise Kingdom.

En la época estival las basuras cinematográficas se amontonan como estiércol en el coche de Biff en Regreso al futuro, sin embargo, de todo la morralla siempre algo positivo se puede sacar y en esta ocasión es la última creación de Wes Anderson, director de la maravillosa Fantástico Mr Fox o la colorida Viaje a Darjeeling. Con su peculiar forma de rodar, Anderson nos acerca una historia de amor adolescente de una forma muy original, con una banda sonora excelente y unas interpretaciones sobre todo por parte de la pequeña pareja protagonista notable. 

Si pudiéramos acercar este Moonrise Kingdom al espectador diría que está muy cerca de Fantástico señor Fox, tanto por su forma de narrar como por su estilo freak, que en determinadas ocasiones nos parece estar dando al botón de avanzar en nuestro dvd, adquiriendo los personajes un aura casi de dibujos animados. 

La banda sonora no solo es excelente individualmente con piezas como Le temps de l´amour de Françoise Hardy o la geniales piezas musicales interpretadas por la orquesta sinfónica de Londres, sino que da una gran consistencia a toda la obra y se sitúa en un puesto crucial en la importancia del filme. 

Moonrise Kingdom no gustará a todos los públicos pues es una película muy personal con una estética y una forma de narración muy sui géneris. Sin embargo es indudable que el director es original y arriesgado, poniendo en pantalla una obra muy atractiva y más aún en el momento del año en que nos encontramos. 

NOTA: 7

CRÍTICA DE:

Con la llegada del buen tiempo las películas comerciales comienzan a descender de calidad progresivamente a medida que sube el mercurio en nuestras ciudades, sin embargo, siempre hay algunos oásis en forma de superproducciones que atraen a millones de espectadores a las salas de todo el mundo, una de ellas ha sido Los Vengadores.

Con una acción trepidante y un guión muy ágil, la película de la Marvel consigue entretener hasta la saciedad al espectador. Con un montaje espectacular, los Iron Man, Hulk y compañía aparecen en pantalla desarrollados de manera excelente, con una personalidad propia que destila fuerza. Mérito de ello lo tiene en primer lugar el director y guionista Joss Whedon y en segundo lugar el excelente elenco de actores si exceptuamos a Chris Hemsworth, actor que interpreta el papel de Thor y que desentona completamente con el resto de actores de la película. Su interpretación solo se puede catalogar de vulgar, apareciendo como uno de los pocos lunares del filme. 

La película ha alcanzado cotas en taquilla desorbitadas, siendo ya milmillonaria y es que cuando se conjuga superhéroes con un buen guión, el resultado habitualmente suele ser muy beneficioso para la productora de turno. La superproducción además sabe mezclar de manera perfecta la acción con el humor, teniendo un resultado de gran notoriedad. 

Como pero además del ya citado Thor, podíamos decir que el metraje es algo excesivo, los casi 140 minutos de película hacen que el ritmo en pocas pero algunas ocasiones decaiga algo, teniendo la sensación en algunos tramos de agotamiento.

En resumen una gran película de acción, donde disfrutarán con el humor de Iron Man, el carisma de Hulk o los planos laterales y traseros de la bella Viuda Negra (Scarlett Johansson). Ya hay proyectada una secuela para 2014 con algunos actores ya confirmados. Seguramente si Whedon se vuelve a poner a los mandos de estos Vengadores el resultado será tan satisfactorio como la primera entrega. Estaremos a la espera.

NOTA: 7,4

CRÍTICA DE:

Rodrigo Cortés ya nos deslumbró en Buried (Enterrado) por apostar por un cine con ritmo, que te mantiene en vilo desde el primer minuto y del que necesitamos extraer respuestas, todo ello coronado por un truco final excelente. Luces rojas mantiene todos esos ingredientes.

Con un reparto de altura, que demuestra la gran repercusión que tuvo su primera película, Rodrigo Cortés se centra en esta ocasión en contar la historia de una parapsicóloga (Sigourney Weaver) y su ayudante (Cillian Murphy), encargados de desenmascarar fraudes por los denominados dotados, aquellas personas con capacidades mentales excepcionales. En su camino se cruza un antiguo conocido vidente, Simon Silver (Robert De Niro), sin embargo los acontecimientos que se producirán a partir de aquí serán del todo inesperados.

La película mantiene un atmósfera de thriller psicológico excelente, que hace involucrarse al espectador durante todo el metraje. Con unas interpretaciones más que correctas y un final inesperado, Cortés redondea un trabajo más que digno. Como pero se le puede poner alguna escena cuya factura podría haber sido mejor a nivel de guión. Dos ejemplos son la escena en el edificio donde pasa consulta el vidente Simon Silver, donde creo que todos nos esperabamos algo más y también una escena de violencia totalmente exagerada. Pese a ello la película luce magnífica, con un color verde de pasen y vean, en contraposición con el título de la misma. Una buena apuesta en una época de estrenos muy mediocres.

NOTA: 7

CRÍTICA DE:

Clooney vuelve a ponerse detrás de las cámaras una vez más y nos vuelve a demostrar que sabe muy bien desenvolverse en ambos lados, y es que si cuentas en tu equipo con uno de los actores más prometedores del momento y dos actores consagrados todo es más fácil.

Los idus de Marzo, aborda en su metraje la vida entre bambalinas en un proceso electoral en EEUU, en este caso para la presidencia demócrata. En la película se aborda temas tan recurrentes como la corrupción o la excesiva ambición que viene aparejado a todo el sistema político de una nación tan poderosa como los Estados Unidos, llegando a corromper cualquier alma que entre en el proceso.

Quizá lo que más destaque de la película de Clooney sea el excelente guión ejecutado por él mismo y por Grant Heslov, en una adaptación de la obra de Beau Willimon. Todo el proceso electoral está perfectamente intrincado a través de unos diálogos con empaque, que desarrollan a la perfección actores tan consagrados como Philip Seymour Hoffman, Marisa Tomei o Paul Giamatti, sin olvidarnos del actualmente omnipresente Ryan Gosling que en los últimos meses ha estrenado tres películas de gran calidad como son Driver, Shame y la propia Idus de Marzo. A todo este elenco hay que añadir al siempre solvente George Clooney que en esta ocasión como ya hizo en Buenas noches y buena suerte, se multiplica para aparecer en toda la producción. 

Una nueva película que aborda el mundo de la política en Estados Unidos, bien ejecutada y bien contada. Esperemos que George Clooney siga apostando de vez en cuando por creaciones propias.

NOTA: 7,5
 

CRÍTICA DE:

Si 18 millones de franceses la han visto es díficil que se equivoquen. Una película para disfrutar, que se degusta muy fácilmente puesto que la historia es amable y nos hace reír de forma sincera.

Dos personajes contrapuestos de cuya unión nace una pareja extraña pero a la vez mágica. Los actores llevan a la pantalla esa amistad de una forma que muy pocas veces raya en la zafiedad o en la grosería, y es que los franceses siempre han sabido hacer comedia y se demuestra filme tras filme.

Como pero, quizás se le pueda poner el excesivo "buenrollísmo" que destila algunas veces, pero se le perdona ya que también en otros momentos consigue darnos pequeñas dosis dramáticas necesarias para que la película coja empaque y sea creíble.

Una buena comedia que se la recomiendo a cualquier público, pues si una cosa buena tiene este Intocable, es que gustará a casi todo el mundo. 

NOTA: 7,2

CRÍTICA DE:

La pasada edición de los Oscar contó con varias películas cuya calidad no era ni mucho menos desulumbrante, sin embargo algunas de ellas destacaban por una gran interpretación dentro de la misma, como la que le valió el Oscar a Meryl Streep por interpretar a Margaret Thatcher o sin ir más lejos el excepcional trabajo que realizó Michelle Williams encarnando a Marilyn Monroe.

My week with Marilyn en mi opinión cuenta con una ventaja respecto a otros biopics que se vieron en la gala de los Oscar, y es que esta producción inglesa no tiene unas pretensiones tan altas como producciones como J.Edgar o La dama de hierro. Por dicha razón, cuando nos sentamos a ver la película, que en mi caso fue en compañía de mi móvil y poco más, puesto que la sala estaba vacía, no traemos unas expectativas demasiado altas y salimos satisfechos de lo que hemos visto. 

La interpretación de Michelle Williams no está ni mucho menos por debajo de la Streep, realizando un trabajo magnífico, creyendo en muchos momentos que no estamos viendo a aquella adolescente que se dio a conocer con la serie Dawson crece, sino a la mismísima Marilyn Monroe, dotando a su personaje, de una inocencia y una sensualidad que viene aparejada inexorablemente con la rubia más conocida de la historia del séptimo arte. Pero además de eso la película también nos ofrece esa visión decadente y autodestructiva de la malograda estrella que la hace lucir a Williams con brillo propio.

El filme es correcto, no cuenta demasiadas cosas, pero las que cuenta las cuenta con acierto. Quizá el protagonista nos chirría un poco, pese a ello sale a flote. 

Una película para disfrutar de una interpretación fantástica, una recreación que si bien no está embadurnada con varias capas de maquillaje, luce igual o más que aquellas. 

NOTA: 6,75